INTERVISTA: KO SMITH L’ARTE DI BILANCIARE ELEMENTI

Testo di Ilaria Bochicchio da New York    

Ko parlaci della tua ricerca e di come è cambiata dall’inizio del tuo percorso.

Inizialmente, il mio processo di produzione era spontaneo e riflessivo, rispetto al contenuto e all’esecuzione di un dipinto. Negli ultimi anni, sono diventato sempre più consapevole del fatto che, al fine di soddisfare i miei pensieri su un argomento ho bisogno di sviluppare concetti su un singolo soggetto, piuttosto che mettere molti pensieri in un’unica immagine. Mi piace l’idea che le immagini facciano parte di un dialogo in corso e realizzare più opere riguardanti aspetti diversi di un singolo soggetto.

Qual è il leitmotiv dietro ai tuoi quadri?

 Un filo comune nel mio lavoro è la tensione creata nel tentativo di bilanciare elementi o idee apparentemente opposti. Nell’ultimo decennio, è stato principalmente un esercizio di equilibrio tra spontaneità e controllo; tra il gesto ispirato con la spatola in una composizione astratta, il controllo di rendere la figura e trovare un modo per bilanciare questi due attraverso il fulcro dell’interpretazione. La contiguità del mio lavoro è che tutti, a un meta livello, stanno guardando uno spazio tra questo e quello: lo spazio intermedio, spesso senza nome. È qui che risiede la luminescenza dell’esperienza vissuta. Questo è lo spazio che viene spesso trascurato.

Quanto lo stile di vita di New York influenza il tuo modo di fare arte?

 L’ambiente di New York City fornisce carburante e ispirazione per continuare. New York City permette di credere nella ricerca dei sogni – alimenta e affama simultaneamente gli stessi sogni, e penetra nei pori di un individuo fino al loro polso, il loro battito cardiaco non è più il loro ma diventa il polso della città. Questa è allo stesso tempo una benedizione e una maledizione, in quanto può spingere una persona a lavorare così duramente da abbattere lo spirito, ma fornisce anche una fonte inesauribile di ispirazione per continuare a fare un lavoro di alta qualità.

Per questo motivo, i dipinti che ho fatto quando mi sono trasferito a New York City sono stati riflessivi e spontanei; non erano una serie, né un corpo di lavoro univoco. Erano fatti d’impulso, spesso realizzati in fretta. In un certo senso, questo è stato un tentativo di sintonizzarmi con la città, ma questa sintonia è un processo inconscio e non può essere forzata. Questa potrebbe essere l’unica cosa che non può essere fatta durante la notte a New York City.

Gran parte della mia pratica comporta l’osservazione e l’ascolto di questo ambiente e successivamente portare quell osservazione nello studio.

Quando eri in residenza d’arte in Francia, qual è stata l’ispirazione che hai ricevuto dal luogo e dall’atmosfera intorno a te? 

La cosa bella di lasciare la città di New York per una residenza di un mese, è stata che ho trovato il mio ritmo di lavoro. Potevo lavorare per interi giorni e fino a notte inoltrata, ma il polso della città non mi era più imposto, io l’ho sentito piuttosto provenire da dentro, come parte di me. Avere quell’impulso di New York in un piccolo centro storico nel sud della Francia è stato meraviglioso, in quanto mi ha fatto incuriosire e prestare attenzione ad ogni mattone, ogni persiana, ogni abbellimento in tutta la città. Per uno straniero, questi dettagli sono straordinari. Ognuno di questi elementi rimanda al modo in cui le persone della città hanno sviluppato il loro ritmo locale e il loro stile di vita.

Parlaci dei tuoi quadri attuali, su cosa stai lavorando?

Il mio lavoro attuale consiste in due serie di dipinti che rispondono all’attuale clima politico. Il tessuto connettivo tra i due topic sta nel riconoscere i benefici e la bellezza del pensiero e del ragionamento sfumati, e il potenziale pericolo nella potenziale mancanza di essi.

In American Landscape: lavoro con una tavolozza ristretta e in questa serie di dipinti intendo interpretare una tendenza americana a presentare, vedere e discutere i problemi attraverso una lente “in bianco e nero”, spesso iperbolica e non sfumata, e dimostrare le sottigliezze presenti anche in discussioni così polarizzate. Ho limitato la mia paletta di colori a diversi tipi di vernice bianca e nera, dipingendo esclusivamente con Williamsburg Oils, un produttore americano di vernici a olio fine.

Mi astengo dal dipingere un paesaggio realistico o dall’utilizzare foto di riferimento per enfatizzare l’influenza che la propria prospettiva e le opinioni hanno sul modo in cui visualizziamo il nostro ambiente. L’uso della parola è in senso allegorico cioè “paesaggio politico”, “paesaggio finanziario” o “paesaggio emotivo” è come questi Paesaggi sono puramente prodotti dalle strutture mentali umane. Essi influenzano il modo in cui vediamo il mondo. In Red & Blue: la radice di questi dipinti si trova nei momenti intimi della vita di qualcuno. Riconoscono che tale immersione non è sempre facile, ma è sempre un compito degno di essere svolto.

Quando hai viaggiato in Europa, come il Paese ti ha ispirato?

Il viaggio mi consente un livello di rimozione per vedere più chiaramente le mie idee. In un certo senso, essere in Europa permette al mio dialogo interiore di esprimersi, e persino di cantare, al contrario del modo in cui mi urla nella mia vita quotidiana a New York.Il piacere delle differenze quotidiane e dei dettagli esteriori è meraviglioso perché mi costringe a chiedermi perché “Loro” fanno le cose in un modo e “Noi” facciamo le cose in un altro. Ti permette di metterti al posto dell’'”Altro”, e osservando le differenze vengono chiarite le cose in comune. Analizzo anche la divisione tra “Noi” e “Loro”. Ovviamente questo può essere fatto in qualsiasi posto si riconoscono le differenze tra le persone, ma essere in un altro Paese rende tutto molto più facile.

Parlaci del tuo prossimo sogno. 

Il mio obiettivo finale è quello di avere uno spazio studio che sia più un laboratorio per la sperimentazione creativa: un luogo in cui le idee possono essere esplorate attraverso molti materiali e media diversi.

http://www.kosmith.com

 

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